ENRICO RAVA È MUSICISTA DELL’ANNO

FOTO DI RICCARDO MUSACCHIO

La rivista Music Jazz, punto di riferimento della scena jazzistica italiana e internazionale, ha reso noti i vincitori dell’edizione 2025 del suo prestigioso referendum annuale Top Jazz, che ogni anno premia i protagonisti del jazz sulla base del voto dei critici del settore. Musicista dell’anno è stato proclamato Enrico Rava, uno dei jazzisti italiani più conosciuti ed apprezzati a livello internazionale, che si distingue per una personalità artistica fuori dagli schemi e per una poetica immediatamente riconoscibile. La sua sonorità lirica e intensa, unita a una straordinaria freschezza d’ispirazione, continua a caratterizzare ogni suo progetto.
Enrico Rava, da sempre considerato una delle voci più autorevoli del jazz italiano nel mondo, sarà in concerto il 25 febbraio a Monopoli con il suo quintetto Fearless Five con il quale si era aggiudicato i premi per il “Disco dell’anno” e “Formazione dell’anno” nel 2024. In vista dell’uscita del nuovo album, prevista per la primavera, inizierà un lungo tour che partirà venerdì 3 e sabato 4 aprile dal Blue Note di Milano, per poi proseguire a Correggio, Bologna, Vicenza, Mantova e in numerose altre città italiane.  

Non so da dove cominciare, se non dicendo grazie — davvero, profondamente, grazie.
Grazie per aver avuto la curiosità di entrare in questo momento intenso di creazione, che si è disteso tra Londra e New York, attraversando fusi orari e battiti del cuore, e quella sorta di magia musicale che non si annuncia, semplicemente accade.

Terri Lyne Carrington — sì, proprio lei, l’unica e inimitabile — ha ascoltato il mio album precedente, Nightintales, e mi ha detto qualcosa che all’inizio non capivo:
“Devi tornare a casa.”
Oli Rockberger ha messo a disposizione il suo incredibile talento per dare forma e compimento ai brani e, più tardi, Troy Miller, il produttore di questo album, mi ha detto la stessa cosa:
“Devi tornare a casa. Devi registrare a New York.”

Non lo capivo, ma mi sono fidata.
Mi sono sempre fidata — a volte ciecamente — cercando di onorare la saggezza e l’esperienza delle persone che mi parlano.

Sono stata guidata.
Non sono sola.

Troy e io abbiamo passato ore a parlare del suono che stavamo cercando. Lui era irremovibile su un punto: voleva catturare l’essenza di chi sono sul palco.
“Quella voce profonda,” mi disse, “rauca, a volte imprecisa, ma sempre, sempre giusta.”
Nessuno aveva mai descritto la mia voce in quel modo — come se l’imperfezione fosse una forma di perfezione.

Sono stata guidata…
Non sono sola.

La mia sorella musicale, Lakecia Benjamin, è stata la prima persona che ho chiamato. Abbiamo una storia insieme — avevo cantato nel suo album Rise Up — e lei ha capito subito cosa significava per me.
Poi Theo Croker, che è famiglia in ogni senso che conti davvero.
Ho contattato Daru Jones perché anni fa avevamo lavorato a un progetto che non si era mai concretizzato, ma accidenti, quell’uomo ha un suono che colpisce in modo diverso.

Troy — che sa bene come muoversi dietro una batteria — ha sentito il primo giro del demo di My Part Of Town e ha chiesto subito:
“Chi è il batterista? Sembra il tuo alter ego ritmico.”
Aveva ragione.
Daru e io sappiamo da anni che i nostri suoni si intrecciano alla perfezione.

Mike King è arrivato attraverso Theo — suonava nella sua band e poi è diventato il pianista di mia madre quando lei produceva Theo.
Theo ha portato con sé il trombonista Corey Wilcox, figlio del grande Wycliffe Gordon.
Troy ha pensato al suo amico Michael Olatuja, dai tempi in cui suonavano insieme con Soweto Kinch.
E Michael ha portato Marvin Sewell, e Marvin ha portato… otto chitarre.

Sono stata guidata.
Non sono sola.

Ma sarebbero stati tutti disponibili negli stessi tre giorni in cui lo studio era libero?
Lo stesso studio dove Daru e io avevamo registrato quel vecchio progetto mai completato?
La risposta è stata magica: sì.

Ho chiamato il fotografo Adrianno Vannini, che sa catturare la vita dei musicisti in viaggio e ha questo dono di fermare i momenti musicali — riesci quasi a sentire il suono nelle sue immagini.

Tre giorni per registrare tutto.
Niente ristoranti, niente distrazioni, solo il lavoro.
Ma più di ogni altra cosa, avevo bisogno di creare una famiglia — tutti a mangiare lo stesso cibo, a condividere la stessa energia, lo stesso spazio, la stessa intenzione.
Francisco Ciniglio, batterista e chef, ci ha cucinato piatti pieni d’amore: nutrimento per l’anima e per il lavoro spirituale che stavamo per intraprendere.

Non sono sola.
Ogni decisione, ogni incontro del mio passato mi ha condotta qui, a questo momento, a questa musica.

L’album che hai tra le mani, la musica che hai scelto di invitare nella tua vita — porta con sé tutto questo:
l’intensità dell’impegno, la profondità dell’amore, l’intenzione sacra intrecciata tra ogni nota, ogni parola che stai per ascoltare.

Lascia che ti racconti le decisioni che mi hanno portata a te, che hanno portato questa opera sonora alle tue orecchie…

È complicato…

www.chinamoses.bandcamp.com

Nel numero di Aprile della prestigiosa rivista DownBeat, Tania Giannouli è intervistata da Dan Oullette sulla sua vita e la sua musica.

Secondo appuntamento della rassegna «Rossellini Spazio jazz» con il sassofonista jazz Francesco Bearzatti. Il musicista friulano, martedì 11 marzo, sul palco allo Spazio Rossellini ha presentato dal vivo il suo ultimo lavoro discografico «Post atomic Zep»  (doKumenta Music/ distrubuzione Tag), omaggio molto originale alla leggendaria rock band dei Led Zeppelin. Accompagnato da Danilo Gallo al basso e elettronica, e da Stefano Tamborrino, alla batteria e voce, Bearzatti con distorsore al suo sax ha entusiasmato il pubblico con un live tra jazz, rock e elettronica, potente e elettrizzante. In scaletta alcuni dei grandi successi dello storico gruppo britannico, come Stairway to Heaven, Black dog, Going to California e altri ancora, per chiudere il concerto con Ode to J. B., una sua composizione originale. Lunghi applausi.

Max Pucciariello / CorriereTv

“Matilde è una donna che balla da sola in un piccolo paesino nell’entroterra della Spagna. Gli unici compagni di danza: un vento leggero che gioca con i suoi lunghi capelli neri ed un foulard bianco, intrecciato alle braccia affusolate.
Lei è fiera, ha il volto sempre rivolto verso l’alto e sembra non temere nulla.
Non ha paura del giudizio delle persone che la guardano quasi come fosse un’invasata, i suoi occhi sono chiusi e ridenti. Non ha paura di trovarsi in un territorio che non è il suo perché non appartiene a nessun luogo. Non ha paura di essere sola. Mahthildis: da maht “forza”, “potenza” e hild “battaglia”Lei è Matilde: forte guerriera

A mio Padre, per avermi insegnato ad essere una donna libera”

Eleonora Strino

Line up:

Eleonora Strino – chitarra
Giulio Corini – contrabbasso
Claudio Vignali – piano
Zeno De Rossi – batteria 

“Per i giovani intervistatori che si occupano di arte sono scarse le opportunità di formazione, però c’è un consiglio che solitamente viene dispensato: non chiedere mai all’artista da dove trae la sua ispirazione.
È una domanda apparentemente banale che può soltanto suscitare risposte banali e talvolta dense di sarcasmo. Eppure certe volte, nel giusto contesto, è esattamente la domanda da fare. Più spesso di quanto si pensi, romanzieri, poeti e musicisti sono molto contenti di spiegare che quella loro nuova opera ha avuto inizio in un momento preciso, da un suono, un accostamento casuale di parole o, molto spesso, un’immagine. A proposito del proprio romanzo La donna del tenente francese, lo scrittore britannico John Fowles ha raccontato di aver tratto ispirazione esclusivamente dalla figura, più volte immaginata, di una donna in abiti d’altri tempi, ferma su un molo deserto a guardare il mare. Ne è nato un romanzo che scandagliava non solo i modi fare e di pensare che hanno portato la Gran Bretagna a diventare quello che attualmente è, ma anche la natura stessa della narrativa.
Qui, nella nuova musica di Eleonora Strino, si sta compiendo qualcosa di simile. Conosciamo “Matilde”, pensata non immobile e smarrita come la Sarah Woodruff di Fowles, ma intensamente viva e mutevole, mossa dal vento, rappresentata con due soli colori, il nero dei capelli e il bianco della sciarpa. Ciò che rende Matilde affine a Sarah è un certo tratto inquietante. Qual è la sua storia e di cosa è capace? Fowles ha avuto bisogno di parecchie pagine, tanta ricerca storiografica e un continuo viaggio tra passato e presente. Eleonora Strino è stata ispirata innanzitutto da un quadro dipinto dal padre, ormai scomparso. Ma stabilire quali siano le fonti da cui prende spunto è un affare più complesso. Attinge a piene mani dalla musica spagnola e dalla lunga tradizione della chitarra jazz, dalle sonorità di Wes Montgomery, Joe Pass, Herb Ellis, Grant Green, Pat Martino, Jim Hall ed Emily Remler. Nell’era del rock la chitarra elettrica ha acquisito un’immagine stranamente mascolinizzata, fallica e aggressiva, laddove in precedenza era sempre prevalso un forte e inconscio collegamento tra il corpo della chitarra e il corpo femminile. E la chitarra elettrica si rivela uno strumento che non oppone resistenza fisica al musicista, che può essere suonato senza sforzo a un volume clamorosamente alto o a ritmo veloce con poca fatica apparente. Viene da pensare a un’artista contemporanea come Mary Halvorson, piccola d’aspetto ma grande nelle sue prestazioni musicali, o a Emily Remler che, secondo quanto da lei stessa dichiarato, dietro l’apparenza di una graziosa ragazza ebrea del New Jersey, celava l’anima di un omone di colore dal pollice enorme. Eleonora Strino suscita un’impressione simile, forse espressa al meglio nell’immagine di Matilde come miscela di delicatezza e forza, salda ma taciuta determinazione, magari perfino con un lieve sentore di pericolo. Questa, devo ammettere, è la musica guidata da una chitarra più coinvolgente che abbia ascoltato da tempo. Mentre adesso lo strumento è costretto spesso a ricorrere a elementi dell’energia rock per ristabilire il proprio ruolo nel jazz, Strino sembra suonare con uno stile molto vicino a quello dei maestri del jazz citati prima, aggiungendo però del suo. Non si tratta di far finta che Jimi Hendrix non sia mai esistito, ma di capire che c’è un altro modo di fare le cose. Matilde non ha paura di stare da sola né di ritrovarsi lontana da casa e in un territorio inconsueto. In un
certo senso, questa è l’essenza del jazz. È musica profondamente individualista che dà pari risalto all’intera formazione, come fa Strino con i suoi eccellenti accompagnatori. È musica che danza da sola ma attira lo sguardo e l’attenzione di tutti. Di certo sono state scritte pagine e pagine sulle storture dello “sguardo maschile”. La domanda è sempre la stessa: “Chi tiene le fila della situazione? Chi esercita il controllo sullo sguardo?”. In questo caso, la risposta è nota.
Abbandonatevi tranquillamente a Matilde: vi trascinerà in un viaggio indimenticabile, all’interno di ciò che significa essere una donna forte, creare qualcosa dal nulla, lasciarsi trasportare dalla danza della musica.”

Brian Morton

Brian Morton, scrittore scozzese, giornalista e conduttore radiofonico, specializzato principalmente in jazz e letteratura moderna, è co-autore di The Penguin Guide to Jazz Recordings.